A VECES TENEMOS QUE TRATAR DE OLVIDAR NUESTRA DESTREZA Y VOLVER A LO BÁSICO
Entrevista a Harry Stafford de Inca Babies por Diego CenturiónFotografías: Richard Davis y Harry Stafford.
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Hay artistas que pueden contar historias sobre los buenos tiempos sin tener que leer o informarse, ya que ellos lo han vivido. Testigos de años en donde todo sucedía y hoy son parte de esa historia que hace unos años está resucitando con viejos y nuevos actores. Por eso, está entrevista puede ser como esos viajes a un tiempo en donde fluía de manera natural y hoy, de muchas formas, se trata de revivir o de recuperarla. Pero no sólo será sobre el pasado, ya que el presente de este músico nos demuestra que aún queda mucho por escribir. Harry Stafford, tiene tantas historias del old school post-punk como novedades para ofrecernos.
Hola Harry, es un placer para mí poder realizar esta entrevista contigo. Quiero agradecer la posibilidad que me das y aprovecho para agradecer a Shauna por esta posibilidad.
Para empezar esta entrevista me gustaría saber ¿cómo ves la escena actual del post-punk mundial?
A mí me encanta la idea de que una banda como Wire aún pueda sacar un álbum y crear algo que sea ajeno a la cultura contemporánea o popular. La sensación de que el arte y la música todavía tienen público. Me emociona mucho la idea de crear algo sin una melodía evidente o, de hecho, sin temas de baile, que deliberadamente no esté dirigido a la cultura de masas. Siempre me llena el alma de alegría cuando miro la cantidad limitada de personas que escuchan Einsturzende Neubauten, porque sé que todos y cada uno de ellos son fanáticos genuinos.
El post-punk de hoy todavía significa un tipo de música alejada de la corriente principal, pero a menudo se la margina porque la hacen personas de entre 50 y 60 años, lo que significa poca o ninguna reproducción en la radio, pero sigue siendo un tipo de música sorprendentemente contemporánea.
Pero si tomas una banda nueva como Yard Act que acaba de lanzar su primer álbum, suenan como The Fall, creo que es brillante y me encanta lo que están haciendo. Se podría argumentar que lo que están haciendo es Post punk. De hecho, hay muchas bandas hoy en día que definitivamente tienen una alfabetización musical que toma prestada deliberadamente de la era post punk. Bandas como: Black Country- New Roads, Wet Leg, Christian Fitness, Dry Cleaning, Sam Fender, Amil and the Sniffers. et al. Entonces, en este momento lo que va, vuelve.
Creo que la razón de esto es que no hemos tenido grandes revoluciones musicales desde Acid House y Rave. En el pasado, cada diez años aparecía algo que ponía la música patas arriba. 1922 Charleston, 1933 Jazz y Charlie Parker, 1944 Frank Sinatra y big band, 1955 Elvis y Rock n Roll, 1966 Pink Floyd y Psicodelia, 1977 Sex Pistols y punk, 1988 Acid House y rave, 1999 ¡¡¡el álbum recopilatorio!!!... En los 2000 nada... Entonces, todas las olas importantes e influyentes de la música tenían sus raíces en los eventos de muchos años antes.
*(Sé que me he perdido, Disco y Hip Hop de los 80, y Drum and bass de los 90, pero lo estoy relacionando con el Post Punk y la música de guitarra aquí).
Creo que la escena musical se ha vuelto menos importante para la gente de lo que era. En lugar de comprar el nuevo álbum imprescindible, compras un iPhone o un nuevo juego para tu X-box, o te sientas y te emborrachas con los programas de Netflix. No hay prensa musical, aparte de las revistas tradicionales que celebran la música rock de los años 70, leer artículos sobre música se ha vuelto demasiado lento cuando puedes mirar los primeros 10 segundos de un video musical y puedes seguir adelante con la satisfacción de haber "hecho" ese momento particular de la cultura popular.
Las personas no tienen el mismo sentido tribal de identidad con la música que solían tener. Hace años que nadie fue embotellado fuera del escenario en un gran festival de música... la generación actual de jóvenes es mucho más tolerante y ecléctica en sus gustos musicales que el mio estaba a su edad. Ya no tienes que ser punk o metal, pop o folk, glam o disco. Tienes permitido amar a Radiohead, Holly Humberstone, Coldplay, Bieber, Biffy Clyro, Wolf Alice, Stormzy y Yungblud. Entonces, para esta audiencia, ninguno de estos actos tiene una subnarrativa por la cual ser odiado. Esto es bastante saludable en estos tiempos de una población delicada y fácil de ofender o significa que la corriente principal ha ganado y la mierda que ahora nos sirven no es apta para festivales y mucho menos para nuestro placer de escuchar.
Empezando a introducirnos en el mundo de Inca Babies, es imposible para mí dejar de pensar en la versión de “Rumble” de Link Wray, y lo digo porque a lo largo de la carrera de la banda el sonido de Link se percibe como una cicatriz inocultable, aunque también The Birthday Party y The Cramps. Cuéntanos si es así y qué recuerdas de esos primeros años en donde publicaban su primer álbum, justamente llamado “Rumble” (1985).
Sabía poco sobre Link Wray hasta que Bill (bajista de Incas) me lo presentó. Todavía tengo la copia en vinilo de Bill de un álbum de instrumentales que fueron muy influyentes para mí, sobre todo porque reconocí que bandas como Cramps y Gun Club estaban igualmente asombradas por él.
Yo estaba en una banda de Rockabilly llamada Catwax Axe Co. en 1981 y nos encantaba todo el viejo rock and roll, pero cuando escuchamos The Birthday Party nos voló la cabeza y nuestro sonido se convirtió en un ritmo mucho más sónico. Inmediatamente tuve que formar mi propia banda para crear un ruido aún más extremo y dejar atrás el rockabilly de los 50 por un sonido post punk más contemporáneo y pesado. Aquí es donde comenzaron los Inca Babies. Había visto The Birthday Party un par de veces y me impresionó sobre todo (Cave aparte) la naturaleza del impulso impulsor de la banda, como The Stooges, como Motorhead o The Cramps. Era implacable y, sin embargo, absolutamente compulsivo.
Rumble fue el resultado de un año de giras intensivas y ensayos maníacos en los que afinamos nuestro sonido para abarcar el caos controlado de nuestras presentaciones en vivo con canciones que en realidad tenían algunos elementos complicados que, de no haber sido por The Gun Club, The Birthday Party y The Cramps, habrían tenido el sonido post punk más ecléctico de la guitarra pop. Nos salvaron de convertirnos en vertederos independientes.
El Rumble instrumental fue el tema de nuestros sets en vivo, ya que abrimos el set con él, señaló nuestro amor por la parte más vulnerable de la cultura urbana “trash-rock”, el lugar donde descubres los extremos de la música de guitarra sónica y regresas una persona diferente, para nunca mirar hacia atrás.
Hoy armar un sello propio es mucho más fácil que en aquellos días en donde deciden crear “Black Lagoon Records”. ¿Cómo nace esa idea, cómo la llevaron a cabo y cómo la mantuvieron hasta hoy?
En 1983, si querías que el mundo te tomara en serio, tenías que sacar tu propio disco. Grabamos The Interior/Sense of Loss y nos dirigimos a Londres a una planta de prensado para obtener 500 sencillos de vinilo de 7 pulgadas. La obra de arte se hizo en Manchester y tuvimos que doblar, cortar y pegar cada manga. Black Lagoon Records Inc. 001 fue el nombre y número de catálogo que inventamos para el pedido por correo. Lo soltamos y contuvimos la respiración.
Afortunadamente para nosotros, Red Rhino, que trabajó con Rough Trade, nos contrató como parte de su red de distribución y pudimos lanzar discos a través de ellos, pero aún en Black Lagoon Records.
En aquellos días, la gente compraba muchos discos y con buena publicidad podías esperar vender 2000 y, a veces, muchos más sencillos. Había una industria discográfica porque en eso gastaban los chicos su dinero. Vendimos 5000 de nuestro primer álbum y 6000 del segundo. Significaba que podíamos hacer giras por Europa y ser músicos profesionales a los que se les pagaba por lo que hacían. Hoy en día no mucha gente puede hacer lo mismo.
La banda tuvo un primer período desde sus inicios hasta 1988, hasta su álbum “Evil Hour”. Cuéntame esos años y cómo era esa efervescente escena.
A mediados de los 80 había una escena muy fuerte de bandas que tocaban Death Rock, Goth Rock, Rockabilly y bandas tribales de percusión. Y en verdadera actitud post punk, fue una escena extraordinaria que se trataba tanto de vestirse y ser parte de una escena como de amar la música. Fue increíble tocar en un club y ver a una audiencia de personas que no solo vestían una camiseta de la banda, sino que estaban vestidos como si estuvieran en la banda. Algo que ya no vemos, mientras las bandas se visten con camisetas y jeans, adoptando un anonimato anodino que sus fanáticos no se verán desafiados.
Cuando conocimos a una agencia estadounidense que quería darnos una gira por Estados Unidos, descubrimos que su jefe les había dicho que vinieran e inscribieran un par de “bandas de corte de pelo inglés”. Supongo que para alguien que estaba observando desde afuera, todo lo que vio fue un gran cabello puntiagudo, mezclilla de cuero y una cultura juvenil disoluta para ganar dinero.
Pero como sabemos, en Estados Unidos tenían 'Hair Metal' en su lugar.
2007 y 2008 se terminan de consolidar la nueva reencarnación de Inca Babies. Sin entrar en detalles de integrantes, ¿Qué diferencias encuentras entre ambas épocas de la banda?
Creo que el conocimiento y las habilidades que tenemos ahora como músicos han hecho que todo sea mucho más sofisticado, tanto que a veces tenemos que tratar de olvidar nuestra destreza y volver a lo básico. La mitad de nuestro repertorio en estos días es material antiguo de los años 80 y la otra mitad es material más contemporáneo, hay un cierto desafío en unir los dos para que sea consistente, pero nos divertimos tocando las canciones antiguas de todos modos. Los hemos hecho más cortos y contundentes. Recientemente volvimos a grabar “Crawling Garage Gasoline”, y suena mucho mejor que el original.
Los conciertos que tocamos ahora son muy selectivos. Si podemos tocar en un lugar lejano (Lituania, Los Ángeles, Chennai, Atenas, San Petersburgo) y casi alcanzar el punto de equilibrio, eso es un triunfo y llevar las canciones a lugares en los que nunca hemos estado antes es de lo que se trata. Todavía damos muchos conciertos en el Reino Unido, ya que nuestros fans siempre quieren más de nosotros, por lo que todavía tenemos los pies en el suelo.
Lanzan un nuevo álbum con Inca Babies, "Swamp Street Soul", un intenso y visceral conjunto de nueve tracks que demuestran que nada del sonido original se ha perdido. Cuéntame ¿Cómo fue grabar un álbum nuevo en medio de esta locura pandémica?
Cuando lanzamos Swamp Street Soul, aceptamos que no iba a ser un gran éxito de ventas, pero era una forma de ampliar nuestros propios límites musicales y descubrir más sobre hacia dónde íbamos. La música es un campo vasto y variado desde donde tomar prestado, saquear e inventar nuevas versiones de uno mismo.
Hace unos meses he conversado con Marco Butcher sobre el álbum que han editado juntos. Cuéntanos sobre Bone Architecture.
Marco es uno de esos tipos con los que acabo de chatear (intercambiando mensajes) en Facebook y descubrimos que teníamos tantas ideas y gustos musicales en común que, de hecho, pronto se hizo evidente que había más ideas y nociones descabelladas que un mero intercambio de amor por el swing, el be-bop, el blues, el post punk, el trash y todos los géneros indómitos intermedios, empezamos a enviarnos archivos en los que poníamos líneas de guitarra y luego patrones de batería, voces y piano, hasta que tres meses después tuvimos 12 canciones a las que llamamos “Bone Architecture”. Obviamente, es un poco más complicado que eso, pero en esencia así es como funcionó. En realidad, nunca nos hemos conocido en persona, pero tenemos una muy buena idea sobre nuestros gustos musicales y planes futuros. Planeamos lanzar otro álbum y quién sabe, tal vez podamos hacer una gira juntos. Bone Architecture es una historia de clase de un álbum de encierro donde las personas se acercan y se conectan porque necesitan crear música, sería imposible quedarse en casa y no hacer nada.
Estamos un poco mejor que en el 2020, aunque la amenaza de un nuevo rebrote siempre está latente. Sé que planean un concierto especial, cuéntanos acerca de ese show que involucra el nombre de John Peel, y si quieres cuéntanos que recuerdas de él cuando grabaron las Peel Sessions allá en los años 80's.
Conocí a John Peel en Manchester en 1984 cuando estaba haciendo un set de DJ en The Manchester Polytechnic. Fui y le di un disco y dos semanas después nos ofreció una sesión de Peel. La primera sesión fue una experiencia absolutamente increíble. Dale Griffin, el baterista de Mott the Hoople fue nuestro productor, y nos dio un sonido tan grande que de repente nos sentimos como verdaderas estrellas de rock y nos dimos cuenta de la importancia de ir a un estudio de grabación real. Maida Vale tenía allí unidades de reverberación que ocupaban todo el pasillo y hacían que el sonido resonara y retumbase como el Gran Cañón, increíble. Hicimos cuatro sesiones, y siempre fueron geniales. Todas las sesiones que hicimos tuvieron una gran acogida tanto por parte de Peel como de los oyentes.
Los conciertos que tocamos en Middlesbrough y Preston en noviembre fueron un tributo al gran hombre y lo que significó para tanta gente que escuchaba sus programas en BBC Radio 1.
Y para cerrar esta entrevista, agradeciendo a Shauna McLarnon por el contacto y a ti por el tiempo que nos has dedicado, ¿Cuáles son tus planes para el 2022, tanto con Inca Babies como personales?
Los Inca Babies y como solista tocaremos en 2022. Marco y yo tenemos un plan para lanzar otro álbum, aunque todavía no estamos seguros en qué formato, pero será un gran disco.
Los -incas van a juntar algo de material y bien podrían sacar otro disco en 2023.
¡Gracias Harry!
Muchas gracias a ti y a Shauna por darme la oportunidad, todo lo mejor, Harry.
Muchas gracias a ti y a Shauna por darme la oportunidad, todo lo mejor, Harry.
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